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¡La vida no es pa’ tocar el tambor!

A pelo y con dos guitarras acústicas  fue el formato que escogió Pájaro para presentar sus canciones en el local de moda de música en directo del barrio de Gracia, el Heliogàbal.

Quizás por motivos de presupuesto en una sala de tal dimensiones, muchos músicos echan mano de la guitarra acústica para mostrar sus canciones, y así navegar en directos que no son más que una impostación fallida de sus formatos con banda completa. No fue este el caso.

 Con cubata de cola en mano, los sevillanos hicieron gala de su gracia andaluza para seducir al público desde el inicio, pero para la suerte de los asistentes, no fue el único argumento que pusieron en la palestra. Sus guitarras echaron mano del sonido jazz manouche para envolver la avezada voz de Andrés Herrera, que hizo gala de ese temple que solo los años de experiencia otorgan: esa solera que alcanzan los vinos de buena añada que han tocado barrica de roble. La barrica que ejerció la música fronteriza del maestro Kiko Veneno o los ya míticos Pata negra.

El público, embriagado por una atmósfera cercana al spaguetti western, al blues sureño o a la canción italiana mediterránea, se entregó a un directo que no cesó de homenajear al gran maestro de Pájaro, Silvio Melgarejo. Canciones como la instrumental ‘Esperanza’ también nos hicieron disfrutar de las finas manos de la guitarra arreglista de Raúl Fernández. Paso a paso la banda caldeó la sala, hasta ponerla al punto de temperatura óptima para desatar algunos de sus “hits” cómo ‘Perchè’ o ‘Luces Rojas’, que hicieron corear a la concurrencia algunas de las estrofas más canallas de este dueto circunstancial.

Con algo más de una hora media, Pájaro dio fin a un concierto acústico de esos que se saborean y te dejan con ganas de más. Como no podía ser menos, no faltaron varios bises y sobretodo, fue paradójico ver a una sala de bouquet tan fino como el Heliogàbal tarareando sin ningún complejo el “Beeeetis, Beeeetis….” que tan feliz hace a este Pájaro sevillano. Si es que como bien dijo Andrés Herrera al inicio del concierto “¡Hay ser feliz! ¡La vida no es pa’ tocar el tambor!” , haciendo referencia a la ruidosa celebración dels Foguerons que se daba a cabo ese fin de semana en Gracia. Y bien cierto es, a ellos no les hizo falta ningún tambor para hacer feliz al público del pasado sábado en el Heliogàbal… eso sí, no me quiero ni imaginar de lo que serán capaces cuando lleven su banda al completo.

Texto: Álex Pérez

Fotos: Tatiana Moret

Bailes, buen rollo & indie pop

No hay mejor antídoto que ir a un concierto de Lori Meyers en plena resaca y depresión navideña. Y lo puedo decir bien alto después de verlos el pasado 27 de diciembre en el Razz. Y esta afirmación aún tiene más mérito si me doy cuenta que todas las letras de su último disco ‘Impronta’ giran alrededor de la pérdida, el abandono y el desamor. ‘Chapeau’ por estos lojeños, que saben salir del bucle depresivo y crear temas al cien por cien bailables y con estribillos tremendamente pegadizos. En el Razzmatazz se montó una buena fiesta, que además coincidía con el último concierto de la banda del 2013.

Empezaron tranquilos, después de un enérgico ‘Bona nit’, con ‘Intromisión’ de Cronolánea (2008). Parecía que estaban calentando y cogiendo impulso para lo que iba a venir luego. Después de verlos el pasado Sonorama, en un concierto donde por falta de tiempo tuvieron que lanzarse directos a los hits de sus últimos discos, agradecí volver a recuperar temas como ‘De superhéroes’ (Viaje de Estudios, 2010), ‘Dilema’ (Hostal Pimodán, 2006) o ‘Luces de neón’ (Cronolánea, 2008). Se notaba que contaban con el tiempo suficiente para hacer guiños a sus seguidores más fieles. El ambiente se iba caldeando y nuestros bailoteos empezaban a quemar los días de grandes comilonas con ‘Alta fidelidad’, ‘Huracán’ o ‘El tiempo pasará’. El despiporre total vino con los sus últimos hits, ‘Mi realidad’ y ‘¿Aha han vuelto?’. A partir de ese momento era imposible dejar el cuerpo en reposo, y todo se convirtió en una escalada de sorpresas y celebraciones.

Alfredo, el batería de la banda, ese día cumplía años, y en mitad del tema ‘Emborracharme’ salió al escenario un pastel con sus velitas y cantamos todos juntos más sudados y más ebrios si cabe el ‘Cumpleaños feliz’. También nos esperaba un dulce sorpresa, y digo dulce, porque Anni B Sweet esperaba entre bambalinas a salir y hacer una versión de ‘Be My Baby’ de The Ronettes junto a la banda.

Recuerdo que ‘Yo sé que me vas a cantar, naranaranananana’ (‘La caza’) fue de lo último que entonamos mientras ellos se preparaban para abandonar el escenario. Después de casi dos horas nos dejaron sudados, con una gran sonrisa y más ligeros de cuerpo y alma.

Texto: Tatiana Moret

Fotos: Ivan Pujol Photo                                                                                                                www.ivanpujolphoto.com

 

Maria Coma i el seu Celesta particular

En un Apolo ple de cadires es presentava el nou projecte de la Maria Coma Celesta. Aquest nou disc sorgit del Premi Puig-Porret rebut en el Mercat de Música Viva de Vic 2012. El projecte pel qual va rebre el premi incloïa la creació d’un piano-celesta* de l’estil Baschet i la gravació d’un disc. Doncs amb aquest clavinimbus de nova creació i un piano de cua eren els instruments que més destacaven al damunt l’escenari. Això sí, anaven molt ben acompanyats de la guitarra i teclats d’en Marc Barrera, la guitarra d’en Nico Roig i la bateria, i productor del disc, d’en Pau Vallvé. A més a més, la Maria estava acompanyada de la Fanny Roz, que es tornava amb la Maria el clavinimbus i el piano de cua.

El concert es va centrar, com no podia ser d’una altra manera, en les cançons del Celesta. La veu dolça i hipnòtica de la Maria només era trencada per la potencia per la percussió de la bateria d’en Pau. El grup era un engranatge perfectament sincronitzat.

Van sonar més d’una quinzena de cançons, com per exemple, Orió, L’últim Cercle Polar, Berlín o Forever and a day. I també van sonar cançons dels anteriors discos com Dins Magnòlies o Tots els colors. Algunes d’aquestes va tenir

Com a concert oficial de presentació del disc, segons paraules de la mateixa Maria, va ser especial. Entre el públic hi havia familiars i amics i amigues. I, tothom que hi vam assistir vam gaudir al màxim, com es va comprovar amb l’ovació final.

I, el detall familiar, va ser l’entrega d’un ram de roses a la Maria. Ella, semblava una mica avergonyida… Coses del directe.

Us recomanem el disc, però sobretot, el directe. Felicitats Maria!

*f MÚS Petit piano vertical les tecles del qual actuen mitjançant martells sobre plaques metàl·liques (definició del diccionari del Grup Enciclopèdia Catalana).

Text: Jordi Daumal

Foto: Fede Nieto

Altaveu 2013: 25 anys i tot el que ens queda per fer…

Montllor, Llach, Bonet, Tomeu, Pets, Pla, Dharma, Evora, de la Serra, Iceberg, Serrat, Labordeta, Tomatito, Sopa, Raimon, Punti, Salseta, Portet, Poveda, Sisa, Lesbian, Auseron, Gossos, Quintana, Marlango, Martirio, el Cigala, Manero, Mazoni, Delafé, Mishima, Puig, Mas, Topo, El Petit, Standstill, Rodés, Font, Senior, Pomelo, Manel, Txarango, Els Amics, Makovski, Siniestro, Canela…són 25 anys que no es poden resumir en unes quantes línies. Això sense anomenar els debats, exposicions, trobades, jornades, el Frontera i el projecte més petit de tots, l’Emergent i perquè no, els responsables polítics que han continuat amb el projecte que va començar l’any 1989. Potser cap festival ha aconseguit tenir un nom més adient que aquest Altaveu, que ha donat veu a sobretot, músics de casa nostra.

Els encarregats d’obrir el 25è Altaveu, en el seu apartat Frontera a l’escenari de la Plaça de l’Ajuntament, van ser els Wednesday Lips, que van presentar el seu últim treball ‘Season II’, finançat amb la modalitat de crowdfunding (això els uneix a bandes molt més importants com els Standstill). La veu fresca de Mònica Guiteras va començar a escalfar l’ambient i a omplir a poc a poc la plaça que, quant finalment van tocar ‘So many things to do’ amb la col·laboració de ZNK, ja estava pràcticament plena. Recomanable vídeo de la mateixa cançó i sobre tot el seu missatge: queden tantes coses per fer. Bona sort Wednesday Lips.

Uns Standstill més multimèdia van tornar a l’Altaveu-25. Aquesta vegada per presentar l’espectacle “Mini-Cénit”, com ho va definir l’Enric Montefusco, per raons de temps i d’espai, basat en el seu disc ‘Dentro de la luz’ (Buena Suerte 2013) i en el qual també hi van barrejar cançons dels altres treballs anteriors. Això, potser, va fer que el fil conductor que té l’espectacle, es veiés tallat alguna vegada per la irrupció d’aquestes cançons, però el públic ho va agrair sobradament. Gaudir escoltant ‘Adelante Bonaparte’ sempre és un plaer.

Molta tinta fan moure sempre els barcelonins amb els seus treballs. Pot ser que t’agradi la seva música, pot ser que no t’agradi l’evolució que han tingut des dels seus començaments hardcore, però pel que fa a la part del nou espectacle ‘Cénit’ fa que t’enganxis des del primer moment tant amb els jocs de llums, làsers i projeccions com amb la seva fosca música amb més percussions que mai.

La segona tongada de concerts del divendres ens van portar a l’Escenari dels Jardins de l’Ateneu. Tres propostes absolutament diferents entre elles. En el Frontera ens esperaven La Sombra del Átomo. Canvi total tant de música com d’estètica, La Sombra ens van portar unes cançons de pop electrònic amb aires “retro”.

Mucho, els segons en els Jardins, ens van presentar ‘El Apocalipsis según Mucho’ (Marxophone 2012). El trio de Toledo, suposo que amb moltes ganes de treure’s de sobre l’afegit de ser els ex The Sunday Drivers i la veu de Martí Perarnau, un ex dels Underwater Tea Party, ens van convidar a ser el seus germans còsmics durant el concert i ens van portar per un univers de bones cançons, amb un directe potent i psicodèlic. En definitiva, ens van oferir un Mucho de bona música amb cançons com ‘Más feliz sin televisión’, ‘La casa en pie’, ‘El lustroso alarido’, ‘Como si no hubiese mañana’, ‘El sitio incorrecto’…segur que nosaltres si que estàvem en el lloc correcte i vam encertar a l’hora d’anar a escoltar-los.

Dorian va ser el tercer grup de la nit als Jardins. La formació d’electro-pop liderada pel Marc Gili, s’ha convertit en un referent imprescindible en qualsevol festival barceloní (BAM, Primavera, Sonar), nacional i amb gran projecció internacional. Els Dorian van presentar el seu quart disc ‘La Velocidad del Vacío’ (Pias 2013). Cançons com ‘Los Placeres Efímero’s, ‘Ningún Mar’, ‘Tristeza’ o ‘Soda Stereo’ van ser interpretades en un cuidat escenari dissenyat per l’Emma Redondo i ballades i corejades pel públic que segueix a la banda. També un magnífic fi de festa de divendres.

El dissabte 7, a l’escenari de la Plaça de l’Ajuntament, van obrir foc en el Frontera en Nando Caballero i l’Orquestra del Llanero Solitario, que van presentar el seu tercer disc ‘Plantas de Interior’ (La Produktiva Records / Satélite K, 2012). Diuen que a la tercera va a la vençuda i així ha sigut amb aquest disc que és el més madur i elaborat d’aquest polifacètic cantant. Destaca l’excel·lent tema ‘L’artista que no tenia art’, i això precisament no és el seu cas.

Els van seguir La Troba Kung-fu i es que acabo d’escriure aquest nom i ja se’m mouen els peus. El grup liderat per Joan Garriga va fer ballar sense excepcions al nombrós públic que omplia la plaça a ritme de cúmbia i rumba, que sumades fan la rúmbia. Nombrosos premis, com l’Altaveu 2007 a la millor banda catalana, parlen de la qualitat i del seu vibrant directe, per això fa que sigui difícil trobar un forat a la seva agenda i això inclou viatjar per tota Europa. Aquest any han tret el que és el seu quart disc ‘Santalegria’ (Chesapik 2013) . Cançons com ‘La Moreneta’, ‘La Prima de riesgo’, ‘Xocolata bona’, es van barrejar amb cançons dels seus altres treballs com ‘Volant’ i ‘Locomotora’. En definitiva, un bon comiat a la Plaça de l’Ajuntament com el que es mereix els 25 Altaveus. Ah, continuo flipant amb la bombona de butà a l’escenari com element musical.

La continuació del festival es va traslladar per motius meteorològics dels Jardins a Can Massallera, un preciós espai cultural que antigament ocupava una fàbrica tèxtil.

Potser les presses en el muntatge van fer que la primera actuació de la nit, els Llorer, que es presentaven en l’apartat Frontera, no fos tot el lluïda que hauria d’haver sigut. La veu de la Laura Forner no va arribar amb tota la claredat que haguéssim desitjat, llàstima. Llorer, banda formada aquesta primavera, ens van explicar històries de cada dia en un estil pop-indie. Solament una última recomanació, hauria estat bé que en acabar el concert s’haguessin acomiadat del públic amb una salutació o un fins aviat. Em va sobtar que després de l’última cançó , s’apaguessin les llums i comencessin a desmuntar.

Amb Egon Soda va arribar el punt àlgid de la nit. Una formació amb més de dotze anys a l’esquena, formada per excel·lents músics, cadascun en projectes i grups diferents. El grup va presentar el seu segon treball ‘El hambre, el enfado y la respuesta’ (El difícil segundo disco de Egon Soda)” (Naïve 2013). Poc més s’ha d’afegir després de llegir el títol i és que reflecteix les dificultats que han tingut aquests músics per poder-se retrobar i poder fer aquest disc. Una vintena de cançons formen el seu treball, de les quals en van presentar onze i un parell del seu primer àlbum. Amb una barreja de folk i rock van anar posant-se la gent a la butxaca. Es nota que són amics de fa molts anys, que desgraciadament es veuen poc i que quan ho fan gaudeixen molt tocant junts, i això ho transmeten clarament. És un gust veure al Ricky Falkner sense la rigidesa del dia anterior. Aquesta vegada, l’altre Ricky dels Standstill també els va acompanyar a la percussió. La gent va demanar més cançons seves i la impossibilitat de fer-ho, per culpa dels horaris, va ser l’únic que va entristir el final del concert. Una gran banda, un gran directe i un gran concert.

Van tancar la nit el sevillans Pony Bravo amb el seu rock andalús i molt allunyat de les altres anteriors propostes. Em sap greu dir-ho, però és la segona vegada que els veig en menys de dos mesos i els dos cops han sigut els últims en tocar, suposo que serà per motius de viatges i altres bolos, però no crec que això els beneficiï gaire. ‘El Mundo’, ‘Noche de setas’, ‘China da miedo’ i ‘Niña de fuego’ són algunes de les cançons que van repassar del seu últim treball ‘De Palmas y Cacería’ (El Rancho 2013). Un disc amb lletres àcides i reivindicatives i perquè no dir-ho amb un estil anti-indie.

El 25è Altaveu ja és història. Un any més ha aconseguit reunir a un bon grapat de bandes, donant oportunitats a unes de noves i reafirmant a les ja consolidades. Ha començat ja el compte enrere per l’any que ve. Hi serem.

Text: Josep Maria Català

Fotos: Maria Carme Montero

THE FALL: ESPERANDO AL RESURGIMIENTO (AÚN)

[xrr rating=5.7/10]

“Re-Mit” (2013)

Tendremos que empezar diciendo que, a pesar de los últimos patinazos del grupo, léase “Ersatz G.B.”, el que escribe sigue teniendo fe en que The Fall aún pueden volver a presentar discos realmente como aquellos ya lejanos “Levitate” o “The Marshall suite” de finales de los 90. Parece que este nuevo siglo no les está sentando tan bien, aunque hay excepciones, como “Reformation Post T.L.C.”. Pero, la verdad, es que este “Re-Mit” no va a ser el que nos devuelve a la mejor versión de la banda.

De inicio tenemos un instrumental rockabilly que nos anima con un buen inicio, de ahí pasamos al himno cervecero de “Sir William Wray” que continúa en una línea positiva. Pero de ahí llegamos a ese tipo de temas espesos y poco apetecibles en los que tiende a perderse el grupo en los últimos tiempos: “Kinder of spine”. Y de ahí sigue una amalgama de canciones aburridas, junto con los juegos sonoros marca de la casa, mediante diferentes grabaciones y los exabruptos vocales de Mark E. Smith.

La segunda parte del disco se inicia con un tema que vuelve con la rutina rockabilly que se ha instalado en esta última formación de The Fall y que ya va por su tercer disco, lo cual para un combo como este ya es mucho. Lo que sucede es que dentro de los miles de discos de The Fall esta no es la alineación que mejor acompaña y arropa al señor Smith. A pesar de ello, parece que a este último se le ve en forma y con ganas de seguir haciendo discos. Señal de ello es lo en forma que se le ve en unas de las mejores canciones del álbum: “Victrola Time”, una especie de techno-rock con grititos en falsete provenientes del incansable Smith, y “Jetplane”. Además, se acuerda del señor James Murphy en “Irish”, y no precisamente de forma positiva.

A pesar de la respuesta pauloviana de goce que nos provoca a los fans de The Fall la voz de Smith, no se puede negar que no es ni su trabajo más inspirado ni que se abusa del tópico rockabilly de los últimos años. Ojala que sigan la línea de la última canción “Loadstones” más guiada por el teclado de Eleni Poulou y con mayor interés sonoro que la mitad del álbum.

Si se han fijado, casi se puede decir que de unas 12 canciones se destacan 4. Así uno no puede seguir siendo fan incondicional. Lo mejor de todo es que se diga lo que se diga, a Mark E. Smith no le importa lo que piense y a mi tampoco lo que él piense de esta crítica. Eso es The Fall.

 Texto: Víctor M. Paredes

VAMPIRE WEEKEND: CONSOLIDÁNDOSE ENTRE LOS GRANDES

[xrr rating=9/10]

“Modern vampires of the city” (2013)

Y llegó el tercer disco de Vampire Weekend y ya se puede decir: estos tipo son grandes. Por fin, se acaban de sacudir la etiqueta de chavales pijos de New York para convertirse en el grupo de referencia que se adivinaba desde su primer álbum, hace sólo 5 años. Quizás se puede echar de menos su querencia hacia los ritmos saltarines, pero han ganado en profundidad emocional.

Una de las claves del disco, seguramente sea la mayor coordinación entre los dos supuestos líderes del grupo, Ezra Koenig y Rostam Batmanglij (el gurú del sonido). Te podrán gustar más o menos, ya que siempre ha habido división respecto al grupo, pero hay que reconocer que sus composiciones son fuera de lo común. Pero, como decíamos, la coordinación entre Koenig y Batmanglij se percibe en el ajuste asombroso entre música y voz a lo largo del disco, incluso convirtiendo la segunda en un instrumento más, modificándola o a través de la inclusión en el fondo sonoro de unos coros femeninos a lo largo del disco y que dan casi la sensación de una misa clásica. Y esto de misa ¿Quiere decir que se han vuelto unos pesados pretenciosos? Pues no, resulta que equilibran cierto clasicismo con los temas más rápidos y bailables de otras ocasiones, pero con un enfoque diferente tanto en el sonido como en la producción y una preocupación hacia otros temas, como puede ser la muerte y el paso del tiempo.

Nos ofrecen temas que tienen un tempo habitual en ellos y que nos dan una versión diferente sobre cómo pueden hacer sus propias canciones, como pueden ser “Unbelievers” o la ecelerada “Diane Young”. Pero mezclan estos temas con otros más lentos, oscuros, como pueden ser una de las cimas del disco: “Hudson”. Por en medio, nos ofrecen melodías como la de “Everlasting arms”, los toques de sampler de “Obvious bicycle”, “Don´t lie” o “Step”. Y todo acaba con el clasicismo de “Young lion”.

Este es un disco que crece con las escuchas, que nos permite ver la cantidad de recursos que tienen: clavicémbalo, piano, sampler, arreglos de cuerda, coros, y demás (por cierto, que las guitarras quedan cada vez más arrinconadas). Sólo nos queda, tras maravillarnos de su evolución, disfrutar de las melodías, ritmos y demás de este álbum. Porque ellos ya han hecho su parte, ahora nos toca a nosotros el reconocerles el trabajo, el esfuerzo, y el resultado de su actual evolución hacia una voz definitivamente propia.

Texto: Víctor M. Paredes

ÉL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO: MÁS VALE TARDE QUE NUNCA

[xrr rating=6/10]

“La dinastía Scorpio” (2012)

Pues como reza el título, el asunto es que en estos lares hemos podido descubrir a este grupo argentino, concretamente de La Plata. Y más que nada porque este disco es del año pasado, pero se ha publicado aquí con bastante retraso. Pero por lo menos sirve para iluminar la muy poco conocida escena independiente del país sudamericano.

Lo primero que hay que decir es que unos tipos que se hacen llamar Santiago Motorizado, Doctora Muerte, Pantro Puto, Niño Elefante y Chatrán Chatrán, por lo menos sentido del humor tienen. Pero más allá de eso también tienen un sentido melódico apreciable. Músicalmente se podría decir que son un grupo de noise pop con una gran predilección por adornar sus temas con teclados. En general sus temas son disfrutables, especialmente cuando se escoran hacia canciones más energéticas y de melodías altamente pegajosas a las neuronas, como es el caso de “Mujeres bellas y fuertes”, “Yoni B” y “La cara en el asfalto”. Sus otras caras, tirando igualmente de teclados notables, tiran de melancolía, tonos algo más atmosféricos. El pero podría ser que abusan algo de los medios tiempos cuando destacan, como ya se ha dicho en temas más “trotones”. Aunque también sepan construir los temas poco a poco, como es el caso de la canción que cierra el álbum, “El fuego que hemos construido”.

La verdad es que es un buen aperitivo que invita tanto a escuchar sus próximas entregas, como a sumergirse en la escena argentina. Y si no, seguimos teniendo este agradable pasatiempo.

Texto: Víctor M. Paredes

THE MEN:…Y SE HIZO EL ROCK

[xrr rating=6.6/10]

“New Moon” (2013)

Vuelven The Men a la palestra y, para no cambiar la costumbre toca hablar de un nuevo giro en su rápida evolución sonora. A estos chicos parece gustarles poco el quedarse en un mismo sitio y siguen de viaje por el territorio rock. Pero si en su anterior “Open your heart” se dedicaban a explorar diferentes vertientes del mismo, desde el country hasta el krautrock, ahora su campo de acción se ha reducido a las diferentes vertientes de un rock más anclado en los setenta.

Mark Perro y compañía nos entregan un nuevo lote de canciones que descoloca por el nuevo cambio de sonido. Su base de operaciones más clásicamente rock hasta ahora les muestra tocando armónicas, órganos, piano, y lap-steel. De hecho, la primera canción que nos encontramos es la convenientemente llamada “Open the door”, que nos recibe en tono acústico y en clave country. Quizás el hecho de haber grabado el disco en una cabaña en las montañas tenga algo que ver en el tono del disco, como en el sonido destartalado de “The seeds”, o en el instrumental “High and lonesome”. De todas formas, aún les va lo de desmelenarse y demostrar que son buenos e intensos guitarristas. Por ejemplo, “Electric” es uno de esos temas que te pasa por encima. Un salvajada que empieza con el machete en la boca y no hace prisioneros. Y se encuentra entre “The brass” y “I see no one”, otros temas a piñón fijo, con un bajo potente que lidera el tema. Pero estas chispas de, dijéramos, espíritu punk se diluyen dentro del clasicismo de “Without a face”, el órgano y los coros de “Bird Song”, o el rock al estilo Crazy Horse de “I saw her face”. Y, para acabar, una especie de bacanal guitarrera de más de siete minutos en la que intentan acumular solos y riffs a la vez que se muestran más setenteros que nunca en la desafortunadamente llamada “Supermoon”.

Por todo ello, nos encontramos con un disco más que aceptable, con momentos disfrutables, pero que aleja a los The Men que conocíamos hasta ahora y nos trae a una banda que parece sentirse a gusto en el tradicionalismo rock. De todas formas, siendo ellos, habrá que esperar al próximo álbum a ver por dónde andan en su viaje particular.

Texto: Víctor M. Paredes

LOW: EL TRUCO DE SACAR ORO DE LA NADA

[xrr rating=7/10]

“The invisible way” (2013)

Lo que llevan haciendo Low desde hace más de una década consiste en, como reza el título, conseguir transmitir de una manera asombrosa una serie de emociones a partir de una serie de elementos que uno está tentado de considerar casi inexistentes. Es un truco considerable si hablamos de un sub-género como es el slowcore, limitado en una estética bella pero rígida. Y además, el asunto tiene más miga si pensamos en que parecen haber explorado todas las posibilidades habidas y por haber de la música que casi no existe. El silencio, la calma, el gesto medido pero justo, han sido sus armas y, como no, lo siguen siendo en esta ocasión.

Se abre el disco con una canción, “Plastic cup”, que es típica suya, lo cual nos sitúa muy rápido pero deja un gusto a ya conocido y ya escuchado. Pero según se va avanzando en la escucha, se observa que hay más tendencia hacia lo acústico que en otros discos anteriores. Continúan las voces cristalinas y los ritmos tristes, pero dentro de un ámbito abierto y directo, claro, que los hace sonar muy cercanos e intensos, a pesar de algunos momentos que suenen ligeramente a rutina, como “Four score”. En esta ocasión, por cierto, el productor estrella es Jeff Tweedy, de Wilco.

Se ha de tener en cuenta la mayor presencia en la composición y las voces de Mini Parker en relación a otros discos. Y su batería básica, primal y oscura es una de las claves del disco, como se puede apreciar en el final marcial de “Clarence White”, una canción, por lo demás justita. Pero vayamos a los puntos fuertes: el temazo con deje pop que es “Just make it stop”, con su sensibilidad a flor de piel; el ligero crescendo de “So blue”, con ese piano empujando el tema, o el final acertado de “To our knees”.

El momento pesado de la repetición plomiza de “On my own” se les perdona por ser ellos y porque nos siguen ofreciendo gemas que escucharemos dentro de unos añitos. Quizás se les empiezan a notar las arrugas pero siguen sonando como una banda con ganas, que acepta seguir avanzando y no acomodarse demasiado, manteniendo tanto el encanto de sus juegos de voces como la amenaza que se intuye tras sus temas. Y eso ya es mucho.

Texto: Víctor M. Paredes

MY BLOODY VALENTINE: LA EXPECTATIVA Y EL HECHO

[xrr rating=8/10]

“m b v” (2013)

Un hecho que no se pueda evitar al hablar de este disco es lo mucho que lo estábamos esperando. Hace más de 20 años que apareció “Loveless” en nuestras vidas. Y eso es mucho decir, porque es uno de esos discos que se queda ahí, acompañando el deambular vital. Muchas críticas se quedan ahí, pero justo en este punto empieza lo importante porque… ¿Quién no había imaginado cómo sonaría este disco? Es decir, el principal enemigo de este disco es el que cada uno teníamos en nuestra cabeza, generado a su vez por el modelo original: “Loveless”. La cosa no es que se quisiera otro igual, pero si uno era increíble en su momento, pues claro, habrá que imaginar cosas increíbles. Y nos olvidamos que romper la baraja una vez es difícil, romperla dos seguro que es demasiado.

Hay que decirlo, al escuchar el disco hay que afrontar la decepción de nuestra expectativa particular. No deslumbra, principalmente porque no lo busca y porque es un disco bastante oscuro, en algunos momentos hermético, pero ¿qué puedes esperar de Kevin Shields? Es el tipo que inventó una nueva manera de hacer ruido con una guitarra (y el estudio de grabación, dejemos de subestimar su capacidad como ingeniero de sonido), así que seguro que está acostumbrado a ir por caminos que no son esperados por los demás.

El disco en sí, el que ha acabado siendo de todos los posibles, es bueno, suena muy, pero que muy bien y contiene la marca de fábrica de My Bloody Valentine: guitarras líquidas que se retuercen, voces soterradas, etc. Pero vayamos al disco siguiendo las canciones: la inicial “She found now” se nos ofrece como una canción perfecta para días lluviosos, de hecho su sonido se podría definir como “lluvioso”, y llama la atención por lo planeadora que resulta. La siguiente, “Only tomorrow” seguramente es una de las mejores del disco, marca distancia con un sonido potente y más directo, así como mostrando un ritmo de batería poco habitual en el grupo, menos lineal que de costumbre. Pero se acaba haciendo un poco larga. De ahí llegamos a “Who sees you”. Como nunca se entienden las letras no se sabe quién mira, pero lo que sí se sabe es que te muestran el precioso ruido que saben hacer y lo únicos que son. Un gran ejercicio de estilo que entronca con “Loveless”. Entonces llega “Is this and yes” y nos sorprende por la ausencia de ruido, de hecho ni suenan guitarras, y decimos que es una innovación, que es nuevo. Pero no, es sorpresa en ellos, puesto que  canciones así hay muchas y esta puede resultar a veces intrigante a veces insulsa, y perdón por el epíteto. Pasamos a “If I am”, en la que destacan unos teclados con aire a Stereolab y un toque algo psicodélico. “New you” es otro ejemplo de nuevos aires para la banda, ya que tampoco hay asomo de ruido ni distorsión y despachan una canción pop de bella factura que, si quisieran, sería un buen single. A continuación, se abre la caja de las sorpresas con “In another way”, cuyo título describe bien el contenido: un ritmo que revitaliza su capacidad sónica, e interés por la aportación de la percusión al sonido global de la canción. Quizás, sea, en mi opinión, el tema del disco junto a la última del lote, “Wonder 2” donde impresionan con la aplicación de su sonido estilo “turbina de motor de avión” de una forma nueva. Entre estas dos canciones se encuentra el instrumental “Nothing is” del cual con el título está todo dicho.

Nos hemos encontrado con unos viejos amigos, unos que ya no creíamos en serio que nos volviéramos a encontrar, pero mira, ahí están. Igual consiguen sacar incluso más discos, no sé. De momento, su vuelta a los estudios de grabación nos deja un disco notable, aunque a cierta distancia de sus entregas precedentes.

 

Texto: Víctor M. Paredes

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